19 de setembro de 2015

“Freud lamentaba que la cultura no lograra su obra civilizatoria”. Tèlam entrevista a Guy Briole

Ex militar, hizo buena parte de su carrera en África. Se analizó con Jacques Lacan. 

Publica ensayos con asiduidad y tiene varios libros publicados. Es miembro de la Escuela de la Causa Freudiana (ECF) de París, y de la Asociación Mundial de Psicoanálisis (AMP).

Esta es la conversación que sostuvo con Télam desde la capital francesa. 



Télam : Si las formas actuales de la guerra han sufrido una mutación inmensa, una de las características, creo, es que pocas veces se declaran. Como sea, ¿cuáles serían las mutaciones más notables de esas formas desde la segunda guerra mundial, y de esas mutaciones, cuáles se registran en la clínica?  

Guy Briole: Usted se refiere a mutaciones inmensas. Tiene razón, pero si hay una cosa que no ha cambiado es que la guerra se hace siempre con los cuerpos reales, cualesquiera sean lo medios utilizados, pasados o actuales. Lo que ha cambiado es que las guerras ya no son mundiales: es el mundo el que está en guerra por todas partes. Sin discontinuidad, está recorrido por una contaminación de la onda que se pretende purificadora y salvadora, y que se propaga acentuando cada vez más lo religioso, el rasgo racial, la diferencia de pertenencias.

Las guerras ya no tienen nombre. Se elimina en beneficio de operaciones que no apuntan a restablecer la paz o a considerarla en un marco legal renovado, sino que apuntan a la destrucción total del enemigo, designado a partir de pequeñas diferencias. Es decir, las cosas se desarrollan según una lógica genocida: segregación a partir del rasgo distintivo, luego designación y reagrupamiento, y eliminación sistemática. Se procede mediante pequeñas obras. Cuando una se acaba, se transporta la moral purificadora a otra parte. Ya nada limita el imaginario cuyo desbordamiento se agrava debido a la potencia unilateral de los armamentos y de la referencia a la conciencia moral.

Esta deriva, que en cierto modo no ha dejado de acentuarse desde el fin de la segunda guerra mundial, fue señalada por Lacan como ligada a una disolución del sentido moral. 

T : Según entiendo, las guerras contemporáneas se desarrollan en diversos frentes: computadoras, drones, ejércitos irregulares, virus informáticos, narcotráfico, delincuencia interna, migraciones masivas, inseguridad: todos contra todos y de tanto en tanto algún desastre (Chernobyl, ISIS, etcétera). En ese escenario, ¿con qué cultura sobrevive el sujeto?

G.B. : La guerra no es una cultura. Ataca toda forma de cultura. Ninguna cultura la transmite, porque la guerra las devasta a todas. Lleva su violencia al seno de todas las culturas, de forma brutal e insidiosa, destruyendo lo que hace lazo social entre los hombres: desde un Estado, hasta lo más íntimo de una familia.

La guerra afecta ante todo a los hombres que la hacen, los que la sufren. Es para todos. Para el cibercombatiente como para el que emplea un machete, siempre se trata de eliminar al otro. Cualquiera sea la tecnología, la violencia sigue siendo la misma, y no son los deslizamientos semánticos hacia una terminología médico-quirúrgica los que podrán vendar las heridas abiertas por las atrocidades de la guerra. La expresión moderna "golpes quirúrgicos" evoca la extirpación de un mal alojado en el corazón de una sociedad, a la que se quiere devolver la salud y la libertad. Sin embargo, el sujeto se siente afectado por ese mal alojado dentro suyo, que le hizo decir a Freud en su carta a Einstein ("¿Por qué la guerra?") que los hombres no cesarán de desencadenar la violencia en la relación con sus semejantes.

Freud lamentaba también que la cultura no lograra su obra civilizatoria. Por lo tanto, imagínese lo que sería el mundo si existiese una cultura de la guerra. Es una expresión muy aproximativa que no conservaría. Así, se trata menos de todos contra todos que del uno por uno que hay que separar de la masa.

T : Las tecnociencias, ¿han pasado por encima las leyes, los convenios internacionales? En ese sentido, los dispositivos periodísticos y sus intereses, ¿no forman parte también del problema?

G.B. : Usted evoca las leyes, las convenciones internacionales, la ciencia, las tecnociencias. Tengamos presente, de manera viva, la Shoah e Hiroshima. El exterminio es de masa. La ciencia participa en ello, pero su participación está encarnada por hombres que la emplean para hacer desaparecer a otros. Es el punto ineludible. Después de eso, ya nada es igual. El mundo deriva, y ya no son los nombres, ni los motivos que se dan a los conflictos -guerra fría, de liberación, preventiva, religiosa, étnica, etc.- lo que valen como amarras.

Los hombres tienen una fe en la ciencia que puede inquietar, especialmente cuando se trata de la guerra y la historia de los pueblos. La obsesión es el borramiento. La incomodidad provocada por el descubrimiento del inconsciente es tal que desde los comienzos del siglo XX, la memoria sigue obsesionando a los investigadores, y la perspectiva localizadora anima cada vez más a los científicos del cerebro. En el primer número de Scilicet, revista creada por Lacan en 1968, encontramos el informe de un debate científico cuyo contenido muestra un objetivo claro: borrar la memoria. El profesor Henri Laborit, entre otros, soñaba ya con la droga última que lograría borrar en el individuo su pasado, que no es otra cosa -según él- que inscripción, trazos en las proteínas y  ácidos nucleicos del cerebro. La ciencia ha progresado desde entonces, pero en el fondo siguen siendo las mismas cuestiones candentes que retornan hoy día, en que la historia sigue estorbando al hombre: ¿qué hacer con el pasado?, ¿cómo deshacerse de él? Eso empuja a los que toman decisiones, los científicos, los psi, a realizar miles de contorsiones para intentar quitar la incomodidad de la transferencia, la del psicoanálisis, que respecto del pasado no procura liquidarlo sino llevarlo a una ética del bien decir. 

T : El suicida, el adicto, alcohólico, otaku, etcétera, ¿libra una guerra, quizá perdida de antemano? 

G.B. : Para hablar claro, conservemos el verdadero sentido de la palabra y no le demos una acepción edulcorada que pueda calificar a cualquier cosa como guerra. Por supuesto, cada uno según su historia, sus propias dificultades, sus malos encuentros, tiene que llevar a cabo su lucha. Empezando por la cotidiana, que no es poca, contra los efectos negativos que ejerce la propia neurosis sobre el deseo. Cada sujeto puede encontrar, en la serie que usted evoca, una respuesta. También puede ocurrir que esos sujetos encuentren la vía del psicoanálisis, que no es la de la esperanza, sino un camino arduo que nos enfrenta a nuestra propia verdad. Allí no se trata de una guerra sino de comprometerse, batirse, luchar, abrir los conflictos reprimidos, etc. En suma: orientarse hacia un acto más conforme con una ética de vida. 

T : Las neurosis de angustia (el panic attack, hoy un trastorno, según el DSM), ¿por qué razón se ha vuelto un fenómeno tan habitual en las urgencias?

G.B. : ¡La neurosis de angustia, dice usted! Es notable percibirlo: el progreso de la ciencia no hace evolucionar el pensamiento, al menos el de los psiquiatras exclusivamente ocupados con la ciencia. La neurosis de angustia fue descrita por Freud de una manera magistral en su relación con la guerra y sus efectos psíquicos devastadores. Esa clínica daba cuenta de la sideración producida por ese real al que el sujeto se confronta brutalmente, su propia muerte y la de otros, la destrucción de todo aquello que le era familiar.

Denominarlo panic attack no le aporta un valor científico. Solo permite hacer un diagnóstico simplista y completar una base de datos que refuerza la ilusión de una aproximación científica. La gran mistificación es que, también allí, todo se acelera y nadie se toma el trabajo de escuchar lo que el consultante, en las urgencias u otros lugares, intenta decir acerca de su sufrimiento. 

T : Su opinión, como ex militar, como médico y psicoanalista, sobre las teorías, tal vez apocalípticas (no lo sé) de Paul Virilio, su ciudad pánico, y las explosiones depresivas tan a la orden del día.

G.B. : Paul Virilio ha conservado la huella del terror que le produjeron en su infancia los bombardeos de la ciudad de Nantes. Ha estado siempre atento a la fragilidad de los reagrupamientos urbanos, obsesionado por la posibilidad de su destrucción. Existe una paradoja en el hecho de vivir en la seguridad de las grandes aglomeraciones, cuando el progreso nos expone a la explosión de los espacios por una promiscuidad que estigmatiza el rechazo del otro diferente y el repliegue depresivo sobre uno mismo. Una de las respuestas, que favorece la aceleración a toda máquina de la numerización y de la información, es la uniformización, el pensar para todos que barre las diferencias y mantiene la ilusión del compartir. Esta subjetivación a marchas forzadas -el machaque mediático por la repetición incesante de un mensaje que se quiere imponer-  uniformiza y desgasta las emociones. El acostumbramiento de los egoísmos hace que uno ya no vea más lo que nos mira. Es preciso el Uno de una foto, la de un niño muerto sacudido por las olas de una playa, para descompletar el conjunto de la masa de emigrantes rechazados a priori. Este uno, que perfora la pantalla compacta del rechazo, los humaniza a todos.

Vivimos siempre en ese desconocimiento sistemático del mundo que Lacan identificó y reconoció -lo cito de su texto La psiquiatría inglesa y la guerra- esos modos de defensa que el individuo utiliza en la neurosis contra su angustia, y con un éxito no menos ambiguo, también paradójicamente eficaz, y que sella del mismo modo, ¡ay!, un destino que se transmite a través de las generaciones.

Cómo no tener presente, incluso hoy en día, esta interpretación que Lacan hace del hombre, a menos que no queramos saber nada sobre lo que anuncia para la humanidad, no como profecía, sino como consecuencia lógica de lo que un analista que no cede en su ética debe transmitir. Nos corresponde a nosotros darle todo su alcance.

18 de setembro de 2015

¡¡¡Novedad!!! “Meteoro, Tribuna Lacaniana”

Nos alegra anunciar que “Meteoro, Tribuna Lacaniana” ya está en línea: meteoro.elp.org.es
 

Se trata de una apuesta de la Escuela Lacaniana de Psicoanálisis por generar un espacio dedicado a la lectura que el psicoanálisis puede ofrecer del mundo contemporáneo, sus distintas expresiones, sus encrucijadas, sus síntomas.

Estaremos, para ello, más atentos al trazo de las escrituras de la actualidad que a los movimientos de su renovación efímera.

Fomentamos el diálogo del psicoanálisis con la sociedad civil, la cultura, las artes, la ciencia, la política, la cuestión pública, reivindicando la especificidad del discurso analítico. Esta especificidad apunta a los efectos del lenguaje sobre el sujeto y cómo estas operaciones se inscriben en un real, que no es el de la ciencia, rupturista en su isomorfismo con la naturaleza, que aparece siempre privado de sentido, agujero en el saber, clave misma de la experiencia analítica. Pretendemos así contribuir a una conversación posible sobre los avatares de la civilización de nuestro tiempo, articulando el psicoanálisis con la multiplicidad de discursos de la contemporaneidad.


 
Contenidos del número 1 

"Presentación. Especificidad del Psicoanálisis"

Presentación, 
por Manuel Montalbán

El big pharma y el enigma del deseo sexual femenino, por Santiago Castellanos

La técnica, la religión y sus víctimas, 
por Miquel Bassols

Tanto en la publicación como en la web que la aloja nos hemos inclinado por un formato intuitivo y ligero, con textos breves y directos, en miscelánea o sobre temas comunes. Una clave fundamental que manejamos para enriquecer el proyecto es abrir nuestras páginas a colaboradores de campos fronterizos, amigos del psicoanálisis en cada Sede y Comunidad de la Escuela, que quieran compartir su singular ejercicio de lectura. Nuestro correo de contacto para recibir propuestas de participación es: tribunalacaniana@gmail.com

El equipo de Meteoro:
 

Santiago Castellanos (Presidente ELP)

Manuel Montalbán (Director de Meteoro)

Comité Editorial: Paloma Blanco, Laura Canedo, Gabriela Galarraga, Beatriz García, María Navarro, Oscar V. Ventura

Comité de Redacción: Ángela González, Dolores García de la Torre, Gustavo Dessal, Jesús Ambel, José Ángel Rodríguez, Juan Carlos Ríos, Mercedes de Francisco, Pedro Gras, Rosa Mª Calvet, Iñaki Viar, Xavier Esqué y Xavier Giner.

16 de setembro de 2015

Novedades en "Crisis, ¿qué dicen los psicoanalistas?" XIV Jornadas de la ELP. Amiga crisis, por Antoni Vicens



“El psicoanalista es amigo de la crisis.” Jacques-Alain Miller, entrevista en Marianne


Hablemos de crisis, mejor que trauma. El trauma induce la pasividad de la víctima; la crisis se puede tomar de la mano de la política y quizá darle una salida en acto. Trauma es sin salida, es retorno persistente; crisis es posibilidad de un punto de inflexión. La crisis es el agujero que se desplaza, imposible de ser tomado en lo simbólico; es sumidero de esperanzas y manantial de creación. La crisis es el nuevo amor, el que nos acompaña más allá de la templanza y, cuando hay suerte, mas allá del odio. El trauma quiere olvido; la crisis está ahí, sin cronista todavía, o cuando más un criticón en la urgencia de comprender. Crisis significa que nada es previsible, ni siquiera el pasado. La crisis es la puerta abierta hacia la herejía, el momento de la elección del sinthome que quedará formado para protegerse de la crisis futura, aquella de la que no querremos saber nada, pero de la que aún no tenemos criterio.

Lo real, descompuesto lo simbólico, viene a aflorar; pero ¿quién lo quiere? ¿Alguien lo ama? Si existe ese amante, será sostenido por una ética disconforme con el hábito. A este respecto, en su libro El malestar en la cultura, Freud cita la famosa sentencia de Goethe: “Todo en el mundo se puede soportar, salvo una serie de días hermosos.” Freud no está convencido; por eso añade: “Tal vez sea una exageración.” Goethe parece indicar que en la estabilidad de los días bonitos nada se crea. Lacan tenía clara la oscilación entre urgencia y creación: “Nada creado que no aparezca en la urgencia, nada en la urgencia que no engendre su rebasamiento en la palabra.”

Según las palabras transmitidas por Lacan, Freud habría llevado la peste a América. A la peste de Tebas la respondió una revelación que destituyó a Edipo de su reinado y lo transformó en el desecho de su verdad. La peste de Atenas, relatada por Lucrecio, es el malestar de la civilización visto con el rasante cegador de la luz antigua. En suma, la humanidad misma actúa como una peste para sí misma.


14 de setembro de 2015

SAKABÔ n. 007. Comentario a “Los escabeles derribados” de Guy Briole, por Juan Fernando Pérez


Que el artista precede al analista en el esclarecimiento de los problemas de los cuales eventualmente ambos se ocupen, es una tesis básica de Lacan en su relación con el arte. De allí lo impropio y arrogante del concepto de “psicoanálisis aplicado” en el sentido en que los postfreudianos lo impulsaron. Guy Briole ha subrayado dicha tesis de Lacan y se sirve de ella como su Virgilio para proponer un novedoso examen de la música dodecafónica de Schoenberg, de ciertos rasgos de la música de Xenakis, de John Cage, de Boulez y en general de la llamada música contemporánea, hasta llegar a definir su “escabel derribado” como un esfuerzo de bien decir. Y nótese allí una lógica que va desde lo epistémico hasta lo ético, situando un real como centro del análisis.

Se recordará que la perspectiva del “psicoanálisis aplicado” (en el sentido postfreudiano) ha guiado a los analistas que han intentado ocuparse de la música. Uno de los primeros que se lo propuso fue Theodor Reik, quien logró aclaraciones literarias (sobre la ópera, por ejemplo) o biográficas de interés (por ejemplo acerca del análisis de Mahler con Freud[1]) pero sin que lo propiamente musical sea abordado allí con claridad. La vieja idea de hacer “psicoanálisis aplicado” define todo su empeño, y por tanto el objetivo es reconocer el sentido inconsciente del trabajo del artista, más que derivar un saber para el psicoanálisis de la construcción musical misma. Briole no elude lo más propio y específico de la música y muestra en su “Los escabeles derribados” que no eludirlo es posible para el analista y muy productivo para su saber. Seguramente era necesario un aparato conceptual como el que Lacan elabora en especial en el último tramo de su enseñanza, para lograrlo. Así, Briole hace uso de los conceptos necesarios para elaborar sus tesis, sin hacer nunca una invocación esquemática de los mismos.

En ese sentido para su examen se apoya en conceptos como los de escabel, S.K.Bello, agujero, borde, no relación, escritura (en el sentido de Lacan), lo imposible, lo contingente, no todo y otros, y examina con ellos temas como los de la música como escritura (ya destacado por Masson en su Impromptu de París 2014), el silencio como agujero, la reducción de lo real en Schoenberg, o en Cage, o en Xenakis o en otros, lo imposible de escribir, la soledad o una estética del rechazo entre otros, temas estos que reconoce Briole en los músicos convocados, los que, de una u otra forma, atraviesan las construcciones de los mismos. 

En ese orden de ideas acoge la invitación de Miller para el Congreso de Río de situar a Schoenberg, en cuanto a la música, en el lugar de Joyce para la literatura. Se trata entonces de acometer el trabajo que Lacan efectuó con Joyce, en este caso con Schoenberg. No es pues una tarea cualquiera; con coraje y decisión Briole abre la senda, lo cual, ya indicadas vías y propuestas tesis principales, permitirá probablemente una producción valiosa para Río 2016.

Y allí resulta central el concepto de escabel, destacado especialmente por Lacan luego de su seminario sobre el sinthome y subrayado por Miller en su conferencia de París cuando destaca las piezas teóricas de la última rama de la enseñanza de Lacan, que han de servir para atacar el misterio del cuerpo hablante. 

Que Miller haya hecho notar de la última rama de la enseñanza de Lacan el concepto de escabel en el contexto de su conferencia de París 2014 sobre el cuerpo hablante, merece ser destacado. Briole así lo reconoce. Con tal concepto es posible situar acentos esenciales que se producen en ese tramo del trabajo de Lacan. En esa perspectiva Miller propone un paralelo entre el escabel y el sinthome, para poner en relieve las dos formas de goce del parlêtre, el goce de la palabra, del sentido (con el escabel), y el goce que excluye el sentido (con el sinthome). Es una oposición notable que, a pesar de que sea muy clara y aun casi evidente, es necesario haberla puesto de presente. Lo es en la medida en que permite entender la lógica que guía a Lacan en su decisión de traducir (es el término que usa Miller para referirse a la decisión de Lacan) la sublimación freudiana como escabel. En efecto, se trata así de introducir un término, si bien algo prosaico, que sustituya la sublime sublimación, que dé cuenta en forma más precisa de una perspectiva teórica. Es esa la manera lacaniana de subrayar (de manera transversal como dice Miller) el lado narcisista  que se halla en juego en la sublimación. De allí el por qué habla de SKBello; “élsecreebello” también dice Lacan en su versión escrita de “Joyce el Síntoma”. Con tales piezas y orientación, Briole llega a reconocer el valor de una música que no pretende elevados escabeles sino, y ante todo, un bien decir que se pregunte a fondo por los elementos esenciales de la dimensión sonora para el parlêtre y con ello conseguir producir música. Todo esto configura una vía que se podrá reconocer, está llena de promesas para la teoría y también para la práctica analítica. 

Permítaseme añadir dos puntos finalmente. Uno: no obstante lo indicado, me pregunto con relación al concepto de “escabel derribado” si ¿éste no habría sido ya expuesto por Lacan bajo su neologismo de escabellostración? Y dos, cabe indicar, en este contexto, una posibilidad de trabajo que parece sugestiva: ¿qué resultados arrojaría la indagación acerca de la obra de otro grande de la música contemporánea, Luciano Berio, quien entre sus producciones llega a rendirle un homenaje a Joyce con su Omaggio a Joyce, trabajo ejecutado en colaboración con U. Eco y Cathy Berberian? Nuestros conocimientos musicales no permiten emprender esa exploración, pero seguramente otros, quizás el mismo Guy, hallen de interés esta posibilidad.

Notas:
[1] Cf. Reik, Theodor. Variaciones psicoanalíticas sobre un tema de Mahler. Taurus (Colección Ensayistas # 131), Madrid, 1975. También su Psicoanálisis aplicado. En la vida, la literatura y la música. Horme, Buenos Aires, 1967.  

Para leer el texto de GUY BRIOLE
 
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 Afinidades electivas

13 de setembro de 2015

LACAN QUOTIDIEN. SILENCE, PARLÊTRE ET CORPS. Une lecture du livre d’Hélène Bonnaud. Le corps pris au mot, par Alain Merlet


Le livre d’Hélène Bonnaud(1) illustre au mieux la définition que Lacan, au terme de son enseignement, donnait de la clinique comme étant pour l’analyste « le réel en tant qu’il est l’impossible à supporter »(2). Il nous est ainsi donné à lire l’acte de l’analyste aux prises avec l’opacité du réel telle qu’elle se manifeste dans la symptomatologie contemporaine, au temps où l’Autre du signifiant défaille à rendre compte de la jouissance autistique du corps. 

Passée l’introduction limpide sur « Corps parlé, corps parlant », on peut être un peu déconcerté, en première lecture, par le caractère disparate des têtes de chapitres choisies par l’auteure. Citons les éléments de cette série : « Miroir, Manger trop, Manger rien, Défaillance, Urgence, Violence, Lésions, Hypochondries, Grossesse, L’encore du partenaire ». Mais le baroque de cette pluralité trouve sa logique dans l’exposition et le traitement des cas eu égard à l’événement de corps (titre du dernier chapitre) qui est leur causalité réelle. 

Le corps, comme l’indique le titre de ce livre, est « pris au mot » à partir de « ce qu’il dit » et « ce qu’il veut ». Mais, ne nous y trompons pas, il ne s’agit pas de la conversion hystérique où le corps est signifiantisé et morcelé par l’articulation signifiante générée par l’aversion du sexuel traumatique, le symptôme hystérique soutenant tout en la masquant la place du désir. 

Ici la jouissance du corps est au premier plan sur le mode de la pulsion définie par Lacan, à la fin de son enseignement, comme « écho dans le corps du fait qu’il y a un dire »(3). Cerner ce dire, le corréler avec le vivant, est l’enjeu de ce livre.  

Ce qui nous a frappé, c’est l’accent mis dans tous les cas sur le silence comme défense face au réel : silence de mort quand prédomine la pulsion orale ; silence symptôme familial où chez une boulimique la nourriture est bouche-trou de ce qui est tu, passé sous silence d’un conflit intergénérationnel, ou bien monstration silencieuse d’un corps décharné chez une anorexique dont l’objet rien fait signe du jusque-là rien dit du réel des camps auquel a été confrontée la famille. Il s’agit de déranger la défense que constitue ce silence et d’en cerner l’enjeu.  

Le silence peut se faire moins assourdissant sans pour cela être moins mortifiant. Ainsi un cas de psychose nous est relaté où le sujet se fond dans un silence afin d’éviter d’être à découvert face à l’Autre persécuteur. Mais ce silence a pour rançon une inhibition massive qui amène ce sujet à consulter un psychanalyste. Comment dénouer le nœud d’un tel silence ? Réponse de l’analyste : opérer avec le réel, c’est-à-dire se faire lui-même, de par sa seule présence, le récepteur d’une scène décisive et ainsi faire entaille dans l’énoncé tenu secret jusque-là de ce moment crucial où le sujet s’est trouvé réduit à un corps déchet sous les coups et les moqueries de ses camarades. C’est ce traumatisme du parlêtre qui s’avère avoir réduit littéralement cet homme au silence et déclenché sa psychose. L’extraction de cet événement de corps a pour effet de remettre ce parlêtre dans le circuit de la parole et de lui permettre dans la vie de se hisser sur l’escabeau d’une solution sublimatoire de son cru.

Autre manifestation du silence, mais cette fois dans un contexte de névrose obsessionnelle, c’est celui qui témoigne d’un déni du corps qui affecte profondément la vie du sujet pour qui tout semble programmé, si bien qu’il accède à une certaine réussite sociale, mais au prix d’une mortification de sa vie affective. Seule la contingence d’une défaillance inattendue de sa voix dans sa vie professionnelle vient trahir sa défense face au réel. Ce vacillement de la voix, qui ne porte plus l’assurance du moi qui perd pied, ouvre à une parole inédite telle qu’elle le conduira dans l’analyse jusqu’au bord de la tombe de son père dont il avait voulu ignorer jusqu’au lieu. C’est paradoxalement le réel du corps enterré du père qui vient entamer la consistance du symptôme obsessionnel du sujet et nouer de façon singulière le parlêtre à son corps de vivant. À propos du cas précédent, mais c’est aussi bien valable pour celui-ci, Hélène Bonnaud avait précisément remarqué, - page 68-, que « le symptôme qui est "parlé", recouvre le symptôme qui est "tu" »(4). Dans ces deux fragments de cure, le désir de l’analyste est convoqué pour délivrer du silence la causalité réelle, hors signifiants, du symptôme.

Dernier exemple frappant illustrant l’efficacité d’une analyse opérant avec le réel de l’Autre du corps, c’est celui d’une femme atteinte très jeune d’un cancer qui l’a réduite à se faire l’objet silencieux de la médecine en évitant surtout de parler d’un mode de jouissance qui maltraite son corps au péril de sa vie. L’analyste lit ce mode de jouissance comme un mode de défense du sujet face au réel premier traumatique de la maladie. Autrement dit, ce sujet est en rébellion contre sa condition de parlêtre qui l’a confronté à l’insupportable d’un réel sans loi auquel il veut substituer l’incorporation voulue d’un mal dont il aurait la maîtrise. Cette lecture du symptôme dégage l’analysante de l’emprise de la pulsion de mort dont elle se faisait la servante. À partir de ce point, elle peut s’autoriser à questionner son médecin sur la possibilité de la réalisation d’un désir d’enfant compatible avec la menace de son cancer. 

Encore une fois nous nous sommes limité à rapporter ce qui nous a frappé dans cette clinique du parlêtre orientée par le réel dont le sujet se défend le plus souvent en silence, en court-circuitant la parole. C’est une clinique actuelle qui trouve sa place dans un temps où le déchiffrage de l’inconscient révèle ses limites. Est-ce à dire qu’on puisse s’en passer en agissant directement sur le corps par des techniques appropriées ? Ce n’est pas ce qui se dit dans ce livre qui a pour visée le corps pris au mot de ce qu’il dit et de ce qu’il veut. L’Autre du corps est certes premier mais, pour y accéder, encore faut-il que l’analyste ait pris lui- même la mesure de la vérité menteuse qui nourrissait de sens son symptôme et l’attachait à la particularité de son histoire. D’ailleurs dans ce livre, l’auteure ne s’exempte pas de sa lecture et n’hésite pas à nous livrer la conclusion inattendue de son analyse où se révèle ce qui faisait la substance de la jouissance hors sens et singulière de son sinthome, telle qu’elle en a rendu compte dans sa passe. C’est l’expérience initiale de la rencontre du mot hors sens et du corps, racine de son symptôme, véritable clinamen(5) qui alimente l’énonciation de ce livre et lui confère son style et sa force renversante. Autrement dit ce livre témoigne de ce que la psychanalyse, quand elle est orientée par le réel de l’Autre du corps, a la force d’un « pouvoir arraché aux destins » de telle sorte que son mouvement « rompe les lois du destin »(6), ainsi que l’a formulé le poète Lucrèce. Pour qui veut se rompre à l’exercice de cette nouvelle clinique de l’Un-tout-seul, ce livre peut en lui-même être considéré comme un clinamen.

Notes :
1 Hélène Bonnaud, Le Corps pris au mot. Ce qu’il dit, ce qu’il veut Paris, Navarin/Le Champ freudien, 2015.
2 Lacan J., « Ouverture de la Section clinique », Questions et réponses, texte établi par J.-A. Miller, Ornicar ? n° 9, avril 1977, pp. 7-14.
3 Lacan J., Le Séminaire, livre XXIII, Le Sinthome, Paris, Seuil, 2005, p. 17.
4 Hélène Bonnaud, Le Corps pris au mot. Ce qu’il dit, ce qu’il veut Paris, Navarin/Le Champ freudien, 2015, p.68.
5 Miller J.-A., « Lire un symptôme », Mental no 26, p. 58.
6 Lucrèce, De rerum natura, livre II, traduction Alfred Ernout, Paris, édition bilingue Les belles lettres, 1941, p. 59.

11 de setembro de 2015

“THE ACT OF KILLING” y “LA MIRADA DEL SILENCIO” de Joshua Oppenheimer, por Irene Domínguez


 “La historia nos mira”
Última frase de la película Helsinki forever, de Peter Von Bagh

Las sugerentes y controvertidas películas de Joshua Oppenheimer, The act of Killing (2012) y La mirada del silencio (2014), recientemente galardonadas en varios festivales, tiene la virtud de generar debate con facilidad... Aquí van algunas ideas.

Estos documentales son el resultado de un trabajo de investigación llevado a cabo por su director, a lo largo de 10 años, sobre los hechos del genocidio de Indonesia en 1965. En The act of Killing, Joshua Oppenheimer se introduce en la vida de algunos de los genocidas, los filma en su vida cotidiana y logra que le hagan confesiones de las atrocidades cometidas. Es un film con una importante carga angustiante que pretende mostrar las personas que hay detrás de los hechos y cómo es su vida en el presente. La otra, El silencio de la mirada, pivota entorno a la figura de una víctima. Se trata de Adi, hermano de un “comunista” asesinado en ese entonces, que, con la excusa de hacerles gafas graduadas a los asesinos, se presenta en sus casas y les interroga sobre el pasado. Hermosa metáfora sobre la mirada. El documental termina con un encuentro en la casa de la familia del fallecido asesino directo del hermano de Adi, que espeta en un gran estallido de furia, mostrando como las marcas traumáticas de los hechos ocurridos siguen intactas. En el periplo que emprende Adi con las entrevistas, no encuentra prácticamente ninguna persona que muestre signos de arrepentimiento. Le confesaran su modo de vivir los hechos y su manera mecánica y fría de proceder, así como éste la identidad de su hermano. La tensión, el miedo, el silencio, gravitan en el contexto de dichos encuentros.

Este par de películas-documentales sitúan algunas cuestiones interesantes sobre una nueva concepción de lo que es hacer cine documental.

Considero que hay que tomar juntas ambas películas, como dos partes de la misma cosa. Éstas presentan la dupla verdugo-víctima de una manera radical, y bajo mi punto de vista ese es su punto flaco. En la primera, el cineasta se gana la simpatía de media docena de asesinos que participaron en el genocidio de Indonesia en 1965 para hacerles contar lo que hicieron. Pretende “mostrar su alma”, en palabras del propio Oppenheimer. Así transcurre el progresivo destape de estos personajes atormentados por pesadillas, que subsisten alcoholizados y narcotizados como forma de alejar sus fantasmas. Sin manifestar el más mínimo signo de arrepentimiento, van contando a gritos -como si de una película de Rambo se tratara-, sus atrocidades. Tienen familia, hijos, algunos han ganado dinero y muchos de ellos gobiernan actualmente el país. La cosa por momentos llega a extremos al límite de lo soportable, por ejemplo, cuando Oppenheimer sugiere recrear una masacre tomando como actores a los habitantes de un poblado. Finalmente, la escena cumbre de esta primera parte, muestra un vómito nauseabundo del protagonista del documental, un tal Anwar Congo, mercenario que luce a su cuenta más de mil asesinatos a supuestos “comunistas”, como representación del sujeto que habita en él. Es el efecto que ha pagado por consentir a dar su testimonio.

Pienso que pueden objetarse muchas cosas al proceder de este director. La primera vez que la vi, hace año y medio, notoriamente perturbada, pensé que quién se creía que era él para darle la palabra a esa gente. Dar la palabra a un asesino es otorgarle un grado de humanidad que no merecen en absoluto. Esa gente sólo debería hablar frente a un tribunal. ¿Retratar su alma?... difícil: esos tipos están todos muertos, son zombis, verdaderos muertos vivientes; en ellos habita la mirada de la gente que estrangularon, las tripas abiertas de los que descuartizaron. Si “abrieron su alma” fácilmente, tal como buscaba Joshua, es porque están muertos. Aún así se ven reflejados aspectos de nuestra humana naturaleza con una precisión penetrante.

Lo más destacable es la mirada. La mirada perdida, seca, inconmovible, muerta de los asesinos. Esa mirada que no ve nada, sin embargo, está tatuada, clavada, en la mirada de la víctima al morir. La muerte, sin descanso, los mira fijamente. Ese transitivismo encarnado en la mirada, da cuenta del profundo entrelazamiento entre el sujeto y el otro. El sujeto crea al otro, el otro crea al sujeto. Si el sujeto mata al otro, el sujeto, de algún modo, también muere. La mirada de uno es exactamente la mirada del otro sobre éste. Y será precisamente la mirada el elemento que decida rescatar Joshua para hacer el segundo film, que no es sin el primero: La mirada del silencio. Estas películas muestran algo del estatuto radical de la mirada, pues como apuntaba Lacan: “cuando miramos somos mirados”.

Otro aspecto interesante que se extrae de las dos películas es la idea de la Historia. Ambas reflejan muy bien el estatuto misterioso del tiempo, y la frágil ficción que es la Historia. Al miedo y al horror no los detuvo ningún pacto de paz, ninguna instauración democrática. El silencio entre vecinos guarda el horror del crimen fratricida perpetrado 40 años atrás. En esas aldeas, todos saben quién es quién, el tiempo se detuvo para siempre. El futuro y el presente restan aplastados bajo la imperiosa presencia del pasado. Es lo que llamamos trauma. Lo muestra muy bien la madre de Adi, para quien el asesinato de su hijo mayor RamLi vive cada minuto en ella, y eso mismo es lo que Adi encarna, que en palabras de su madre: “es el hijo que le mandó Dios para sustituir al hermano”. Adi, por tanto, se presta a ser el entrevistador de los asesinos de su hermano, vecinos del pueblo. Es en nombre del muerto, del muerto que continua vivo en él, que se embarca en semejante viaje. Posición netamente heroica, en el sentido trágico del término. Él es verdaderamente una víctima que deambula esperando encontrar un atisbo de arrepentimiento, una mueca de perdón… Pero exceptuando un par de mujeres, hija y esposa de, que dijeron no saber nada, nadie es capaz de pronunciar la palabra perdón. La presencia de Adi suscita el enojo, el enfado, el horror de los entrevistados que, cual miembros de una secta religiosa imploran que hay que “olvidar el pasado”. Olvidar el pasado, dejar la “política” a un lado, callar, aguardar la muerte.  

 
El ejercicio de la memoria –al menos en estos documentales- se revela completamente imposible. La memoria en tanto trama, tejido, elaboración, bordeamiento del agujero insondable de lo indecible. Lo que refleja el documental es que eso no se pudo hacer. Quizás la trampa que se tiende el propio Oppenheimer es hacernos creer que su película es, en sí misma, el abordaje de la memoria clausurada. Pero no, porque La Memoria, en grandes mayúsculas, no existe, como La Historia. El relato universal está condenado al silencio de la eternidad sencillamente porque el Absoluto no habla. Ojalá estos documentales pudieran servir para que algunos sujetos pongan en marcha la elaboración de su propia historia, con minúscula, la singular, la de cada uno.

Hay silencios y silencios. Hay silencios que funcionan como motor de un empuje a decir, como la huella del devenir de la palabra. Es una de las formas que puede tomar el tiempo de espera; ese silencio es señal de vida. Pero el silencio de la mirada, el que ahí vemos, es una negación rotuna de la palabra, del pensamiento, es la clausura del otro. Ese silencio está tomado por el miedo, y por uno muy particular en los asesinos: el miedo a la locura. Saben que matar mucha gente enloquece, y varios de ellos hablan de su antídoto: beber la sangre de la víctima. Eso es lo que los salva de enloquecer. El caníbal es inmune a la locura, porque la locura es signo de un sujeto que perdió el hilo con la realidad, signo de extravío del ser, pero signo subjetivo a fin de cuentas. Y de alguna manera logran no enloquecen porque mueren en vida, porque pagan con su vida.

Interesante también por lo que enseña de la perversión, pero no como categoría moral, sino como estructura clínica. Hay rasgos en el director. Confundir la escena con lo real, igualarlas hasta hacer que parezcan lo mismo, es la aspiración perversa de colocarse a un lado de la castración, de denegar la propia. En varias entrevistas, su director habla textualmente de este aspecto. El documental trata explícitamente el tema de la escena, de la realidad como performance, por eso The act of Killing termina con una coreografía kitsch sobre la muerte, donde no puede faltar el sacerdote. La aspiración, en tanto extranjero, a contar y exponer “lo real” como si de una escena se tratara, lo coloca a él mismo en el lugar de Dios. Él es el ojo que mira desde arriba. De algún modo es como si dijera: “yo os voy a contar que es el mal en el humano, cual es la verdad del goce” y pudiera, de este modo, quedar a salvo. Complicado querido Oppenheimer, las obras, en tanto pretenden ser formas de lo real, son también ficciones y no se confunden con lo Real. Quizás se trate que lo que está todo el tiempo en juego es su propio fantasma, en tanto hijo de víctimas del holocausto judío.

Hay distancias que necesariamente hay que guardar, y no se trata aquí de ninguna ley moral, legal, de ninguna ley de los hombres. Es la barrera inherente a nuestra condición de seres hablantes. Esa es la distancia que pareciera querer borrar Oppenheimer entre la realidad y la realidad psíquica. El imposible es infranqueable. Toda la cuestión del arte radica en cómo ofrecer una forma que sirva de tratamiento de lo Real para algunos humanos. No vamos a levantar el velo sobre la naturaleza destructiva del hombre en tanto quisiera esquivar lo que sabe desde que nace: que pase lo que pase morirá. Es por eso, como decía Lacan, que hay que hacerse incauto de lo Real. Si apuntamos directamente allí, quedaremos aspirados en él. Ningún arte acudirá en nuestro auxilio.

El género documental, especialmente, plantea interesantes cuestiones sobre la perversión. De algún modo, éste ineludiblemente objetaliza al sujeto. La historia personal está al servicio de la creación fílmica. Pero hay modos y modos de hacer con el material del otro. Por eso es importante que el objeto permanezca perdido, que de vueltas, que no se lo pueda aprehender con facilidad. Ese vacío será constitutivo de lo que vehiculiza la obra. La abundancia de objetos fetiches en el cine ha dado y lo sigue haciendo, películas muy buenas que logran arrancarle un destello a lo Real. Pero solo eso, un destello.

Pese a todo, los tiempos que corren privilegian ver, quizás como nunca antes, que la destrucción de la especie es algo más que probable. Los ideales humanos no son amigos de los velos. Las mayúsculas de la Verdad, la Historia, la Libertad… detestan que se las vele, que se las confunda, que se las toree con distracciones. Esa es una de las grandes pérdidas de la contemporaneidad: el resto, el error, el desecho, el fallo, la mentira, el humo… han caído en desgracia y con ellos pululamos en un mundo que, si bien no pone fronteras al saber –pero qué saber-, nos vuelve cada vez más ignorantes y estúpidos. Apresados por el progreso que nosotros mismos hemos construido, acortamos el tiempo y el silencio, la duda, la pregunta… y pagamos el precio con angustia seca. Por eso es necesario humedecer esa angustia y ponerla al servicio de construir nuestra propia memoria. No quedarnos inmóviles ante el trauma, trabajar en el ejercicio del “bien decir”, el de cada uno, promover una mirada sin pretender arrancarle sus sombras, es lo que podemos ofrecer como resistencia al avance de la pulsión de muerte.

9 de setembro de 2015

Novedades en "Crisis, ¿qué dicen los psicoanalistas?" XIV Jornadas de la ELP.

Un puente hecho de agujeros

Leonora Troianoski pregunta a Miquel Bassols. Presidente de la AMP. 

-Crisis es un significante de lo social, ¿qué dicen los psicoanalistas? introduce de alguna manera un puente entre intensión y extensión ¿Cómo piensas esta articulación?

En efecto, la palabra “crisis” se ha instalado en el discurso común del mundo contemporáneo de tal manera que parece que ya no hay posible realidad social, económica o política, que no evoque de algún modo la crisis. ¿Hay algún lugar que no se resienta hoy de la crisis, aunque más no sea porque se la teme? Lo que designaba un momento más o menos pasajero —“Momentos de crisis” ha sido por otra parte el tema del último Congreso en Ginebra de la New Lacanian School—, ha venido a designar una suerte de estado permanente, como el signo de una época que se extiende, aquí y allá, sin percibirse un final preciso. Hasta el punto que la crisis, en la era del neocapitalismo, parece alimentarse de la propia crisis. No era así, sin duda, en otras épocas. De modo que el significante “crisis” experimentó él mismo cierta crisis, en el sentido que tuvo en otros momentos, de momento de decisión, de inflexión súbita en una estructura, de punto de viraje, ya sea para bien o para mal. 


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Photo sin Shop, por Gustavo Dessal 

Ayer era solo la imagen de un niño sirio de tres años, pero hoy sabemos su nombre. Se llamaba Aylan. En el naufragio, a su padre se le escapó de las manos, y de esas manos se escapó la vida del niño y también la del padre, a quien más le habría valido morir en vez de convertirse en el espectro de un superviviente. No cualquier muerte es el límite absoluto: Lacan sugirió que es la de un hijo. La varia boca del mar, que es infinita, tuvo al menos la piedad de devolverlo intacto, con su ropa compuesta, su mejilla apoyada sobre la arena blanda, como si durmiese. Los hombres no tuvieron esa compasión.

Desde el ángulo que esa foto fue tomada, casi no vemos el rostro de Aylan. Vemos, en primer plano, las suelas de sus zapatillas. La crónica del mundo se escribe en los libros, y también en las suelas de unas zapatillas, solo que esta vez el relato se interrumpió demasiado pronto. No sin razón Borges calificó de universal la Historia de la Infamia: porque no conocemos la fecha de su inicio, pero estamos seguros de su eternidad. Todos los días se añade una página, del mismo modo que todos los días mueren miles de niños y nos hundimos un palmo más en la ignominia. 



La crisis actual en y desde el arte, por Mandy Toro Andara
 
Lo imposible es la esencia de la actividad artística. El arte, al ser una suerte de intersticio que se nutre de sí mismo, es paradoja, enigma, obstáculo, silencio y clandestinidad… Él encarna y circunscribe lo real, valiéndose de las dimensiones simbólica e imaginaria que, en conjunto, dan consistencia a los objetos.

Después de Duchamp, sabemos que el arte se halla más del lado del síntoma que del de la sublimación, tal y como nos lo señala Eric Laurent: “Las obras de los grandes artistas hoy no son sublimes, ellas son síntomas”, y, añade Gérard Wajcman, dichos síntomas “[n]o (son) del artista: (sino) de la época y del mundo. Del malestar”.

En la época del capitalismo se rechaza la palabra en cualquiera de sus modalidades. La belleza ha caído junto con otros significantes, otrora primordiales. El arte nos muestra en acto la crisis contemporánea del ser humano, en el seno de su propia actividad, en tanto que síntoma.

7 de setembro de 2015

LACAN-TV : LE LANCEMENT / LANZAMIENTO

EST EN LIGNE ! 

LACAN - TV est la première Web TV de psychanalyse.  

Qu'est-ce qu'une Web TV ? C'est un média de diffusion de contenus audiovisuels sur Internet.


   

La Web TV de l'Ecole de la Cause freudienne se destine à diffuser des vidéos en lien avec ses activités, ses enseignements et ses Journées d'études, y compris en live.

NOUS DEUX. Elle propose notamment des témoignages et des interviews, recueillis par des psychanalystes, de personnalités du monde médiatique, en prise directe avec les sujets brûlants du monde contemporain.

CHAMP/CONTRECHAMP. Des psychanalystes vont à la rencontre d'autres champs (scientifique, politique, artistique…) pour débattre de questions qui intéressent la pratique actuelle de la psychanalyse. 

LACAN ALIVE. Des comédiens lisent Lacan. Amis de Lacan, ils donnent de leur voix pour faire vibrer et circuler des extraits de son Séminaire et de ses Ecrits. C'est l'Orientation lacanienne : Lacan se lit au présent. 

FOCUS. Choses vues et entendues. Des psychanalystes se prêtent au jeu de l'interprétation - presto comme il se doit -  de faits de société saisis sur la toile. 

Pour son lancement, LACAN-TV se branche en exclusivité sur l'actualité des J 45 : FAIRE COUPLE.
 
La psychanalyse épouse son époque ! Fêtons-le !
Un seul clic : C'EST ICI


Paris, le 7 septembre 2015, 11H a.m.
Christiane Alberti
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¡ESTÁ EN LINEA!

LACAN - TV es la primera Web TV de psicoanálisis. 

¿Qué es una Web TV? Es un medio de difusión de contenidos audiovisuales en Internet.

La Web TV de la Ecole de la Cause freudienne está destinada a difundir videos en línea con sus actividades, sus enseñanzas y sus Jornadas de estudios, inlcuso en vivo.

NOSOTROS DOS. Propone especialmente testimonios y entrevistas, recogidos por psicoanalistas, personalidades del mundo mediático, en contacto directo con los temas más actuales del mundo contemporáneo.

CAMPO/CONTRACAMPO. Los psicoanalistas van el encuentro de otros campos (científico, político, artístico…) para debatir temas que interesen para la práctica actual del psicoanálisis. 

LACAN ALIVE. Los actores leen Lacan. Amigos de Lacan ofrecen su voz para hacer vibrar y circular fragmentos de su Seminario y de sus Escritos. Es la Orientación lacaniana: Lacan se lee en presente.

FOCUS. Cosas vistas y escuchadas. Los psicoanalistas se prestan al juego de la interpretación - presto, como es debido - de hechos de sociedad atrapados al vuelo. 

Para su lanzamiento, LACAN-TV se conecta en exclusividad con la actualidad de las Jornadas de la ECF, J 45: Hacer pareja.

¡El psicoanálisis casa con su época! ¡Festejémoslo!

Un solo clic: Aquí está


París, 7 de Septiembre de 2015, a las 11 hs. a.m.
Christiane Alberti


6 de setembro de 2015

Texto Flash No 8. De cámaras, imágenes y voyerismos, por Beatriz García Moreno


Los dispositivos tecnológicos que capturan la imagen se han encargado de llevar en tiempo real, a los lugares más íntimos, el mundo de afuera. Las cámaras penetran cualquier habitación y traen en pantallas diversas, no sólo estilos de vida, gadgets y objetos de consumo del mercado, sino también los sucesos más crueles convertidos en imágenes inofensivas que desaparecen con solo apagar el botón de encendido. La mirada capturada por la cámara previene a quien la observa de ser tocado por el goce extraño y amenazante del Otro, y lo protege de enfrentar la diferencia que ese Otro exhibe. La cámara parece fungir así, como un operador de la mirada que no sólo permite el encuadre, sino también la apropiación del instante, la manipulación del objeto, y la conversión de cualquier acontecimiento en una ficción que logra situarse en lo imaginario y cabalgar sobre lo real en goces insospechados.
 
En la actualidad se asiste a la invasión de las escenas de lo público en los espacios de lo privado, y las de lo íntimo aforan sin tapujos en los espacios de lo público. Rituales privados liberados de la moral burguesa y en complicidad con la pantalla, dan rienda suelta al apetito del ojo que se obnubila en la contemplación de las imágenes capturadas, del Otro envasado en paquetes de la más alta variedad y sofisticación, de los personajes y objetos-mercancía más diversos que le prometen una satisfacción ilimitada, mientras esconden a la manera de una anamorfosis, los cuerpos incompletos, consumidos por el paso del tiempo, atravesados por la muerte, pero que al estar camuflados detrás de las cámaras, tienen el poder de envolver al espectador en sus brillos y de alivianar cualquier manifestación de los real. Mientras lo imaginario se incrementa en el espacio de lo íntimo y se vuelve cómplice no sólo de todo tipo de autoerotismo y el goce perverso encuentra nuevos caminos para su acción, el espacio de lo público se vacía de las referencias simbólicas y se llena de sujetos frágiles que apenas logran reconocerse en las cámaras que devuelven sus imágenes. 
 
El mandato al consumo puesto en acción en la intimidad que abre la pantalla, deleita al voyeur que no sólo se embriaga de modo frenético en la contemplación de infinidad de imágenes, sino, y de manera particular, en la posibilidad de convertir a los seres y al mundo en su totalidad, en objetos capturados por la cámara, para el goce de su mirada.  
 
La inmediatez del logro y lo efímero de los sucesos acentuado por la cámara que se interpone entre el sujeto y su experiencia directa, son característica del movimiento sin pausa de sujetos que creen encontrar en cada imagen capturada, una posibilidad de ser, sin percatarse, ni importarles, la condición efímera que la caracteriza además de la imposibilidad que las acompaña.  
 
Los goces de los Unos singulares se manifiestan en la escena ciudadana en modalidades que tienen que ver con el disfrute en el encierro, acompañado de los que considera sus semejantes. La pantalla se presta para rituales privados que dan cuenta de la naturaleza autística del goce, de la imposibilidad de un lazo social en el que comande el respeto por el sujeto.

Bibliografía  
Lacan, J., 2006. El Seminario 11: Los Cuatro conceptos fundamentales del psicoanálisis. 2006. Buenos Aires: Paidós. Lacan, J., 2012. Televisión en Otros Escritos. Buenos Aires: Paidós. Págs. 535-572.  
Miller, J-A., 2004. Extimidad. Buenos Aires: Paidós  
Miller, J-A., 2011. Una Fantasía. En Punto Cénit. Política, religión y el psicoanálisis. Buenos Aires: Colección Diva, pp. 37-54  
Wacjman, G., 2011. El Ojo Absoluto. Buenos Aires: Manantial.  
Wacjman, G. 2006. La casa, lo íntimo, lo secreto en Massimo Recalcati, Las tres estéticas de Lacan. Buenos Aires: Ediciones el Cifrado. Págs. 93-114.